10 discos de 2003 que ya son clásicos

Nuestras populares listas de álbumes continúan. Hoy, el equipo de Columna Musical preparó para ti una lista de 10 discos de 2003 que pensamos nadie debería perderse. Ya pasaron 20 años desde aquella época y aunque queramos pensar que es poco tiempo, la verdad es que la Historia de la Música no se detiene y su evolución, tampoco.

En 2003, el mundo de la música se encontraba al borde de un cambio significativo, tanto cultural como tecnológico. Fue un año en el que la industria se encontró en la encrucijada de la revolución digital; el intercambio de archivos y las plataformas para descargar música en línea empezaban a cambiar la forma en que el público descubría, compartía y consumía sus canciones favoritas. Ya no solo se trataba de comprar el CD de una banda favorita, ahora podías conseguir tus canciones favoritas gracias a una descarga por demás lenta, pero cumplidora ( a veces).

Poco a poco las exploraciones noventeras quedaban atrás y, en lugar del grunge, ahora el rock se volcaba hacia los sonidos garage; otros géneros como el hip-hop y el R&B siguieron expandiendo sus influencias y, como sucedió con duetos como Outkast, también se llevaron los reflectores a otras latitudes. Cómo no mencionar lo que estaba sucediendo en el territorio folk, en donde la vulnerabilidad, la introspección y el talento lírico alcanzaron nuevas alturas.

Que comiencen las recomendaciones. Aquí te presentamos 10 discos de 2003 que deberías escuchar, mínimo, una vez en tu vida.

Cat Power – You Are Free

Cat Power es el nombre artístico de Chan Marshall, nacida el 21 de enero de 1972 en Atlanta, Georgia. Es una cantante, compositora y productora conocida por su estilo musical único, que fusiona el folk, el indie rock y elementos de blues.

You Are Free es considerado uno de esos álbumes discretos, sin pretensiones exacerbadas, cuya influencia es inconmensurable. Fue producido por la misma Marshall junto a Adam Kasper que fungió como ingeniero de audio.Todas las canciones son composición de Cat Power, a excepción de “Keep on Runnin” de John Lee Hooker y “Werewolf” de Michael Hurley. El disco contó con las colaboraciones estelares de Warren Ellis (Nick Cave,  Dirty Three) en el violín, Eddie Vedder (Pearl Jam) a los coros y de Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters) como baterista.

Este álbum consolidó a Cat Power como una figura influyente en la escena indie-folk. Su estilo melancólico, letras introspectivas y su capacidad para transmitir emociones crudas resonaron profundamente en la audiencia, contribuyendo a la creciente popularidad del género en la época. Entre las canciones más conocidas destacan:”I Don’t Blame You”, canción inspirada y dedicada a Kurt Cobain, “Werewolf”, que más tarde utilizaría Pedro Almodóvar en su película Los abrazos rotos, “He War” y”Free”.

Café Tacvba – Cuatro Caminos

Los 90 fueron una década de éxito para la música rock en español, hay quienes dicen que fue su época de oro pues a través de todo Latinoamérica y España se presentaron propuestas sumamente originales cuyo principal característica era el mestizaje, el de mezclar sonidos rock y pop con sonidos propios de la región hispanohablante de la que se era originario, ya fuera el sonido de los altos Andes, el flamenco de la península ibérica o el sonido prehispánico de México.

Cafe Tacvba fue la banda alternativa más exitosa durante toda la década de los noventa en México aunque siempre se le cuestionara que lo que ellos hacían no era rock propiamente. Existió una banda como Caifanes que entraba más en esa descripcion del rock más tradicional, Café Tacvba fue una banda que sin recato y sin pudor abrió y extendió sus brazos a todo tipo de combinaciones raras y bizarras, el art pop con sonidos concheros prehispánicos, la ranchera con el mambo, el sonido disco con el hard rock, el industrial con el folk, la polka con el punk, etc, etc.

Su singularidad en todo el continente americano atrapó a la prensa anglo que vio en su disco RE del 94 uno de los mejores discos mejor hechos a nivel mundial de los noventa, después de los éxitos se lanzaron al vacío en 1999 al combinar todo con la música electrónica de vanguardia e invitados de música académica y experimental. Y ahí fue cuando el Café Tacvba sonido RE murió para crear uno de los discos de post-rock más fascinantes de la historia y del que algún día hablaremos aquí en Columna Musical.

No sería hasta 2003 cuando Café Tacvba regresaba con un LP llamado Cuatro Caminos ,después del éxito de su EP Vale Callampa del 2002, donde ahora sí, con la producción de su George Martin; Gustavo Santaolalla y el productor de The Flaming Lips; Dave Friedman, que harían un disco de rock en toda la regla, adiós a las drum machine, bienvenidas las baterías en sesiones en vivo, mucho más guitarras.

Inevitablemente el album adquiriría un sonido indie y contemporáneo comenzando desde la abridora e impresionante “Cero y Uno” ,la psicodelia tropical en la agitada “EO”, la balada cuasi prog de “Mediodía”, el hit inamovible de la perfección del rock pop en “Eres” , el drama minimal a lo Radiohead con tango de “Desperté” o la tremenda new wave de “Puntos Cardinales”.

Y así Café Tacvba inauguraba otra década, con un album de calificaciones casi perfectas pero sobre todo influencias nuevas, sonidos vanguardistas para el rock en español que se estaba adentrando a la música indie rock como un idioma más universal, este clásico tiene todo eso y serviría como referente ancla.

The Rapture – Echoes

The Rapture es una banda de Nueva York que irrumpió en la escena musical a inicios de siglo y que llamó la atención inmediatamente debido a su propuesta que incluía influencias del post-punk, dance punk, acid house, electrónica y rock and roll, solo por mencionar algunos. Ellos fueron una de las bandas responsables por fundar la escena neoyorquina de dance punk que surgiría a principios del año 2000.

Con un sonido oscuro, es que The Rapture presentó su propuesta de dance punk que a pesar de no ser tan accesible eso no les impidió poner a bailar a la audiencia con su música, muestra de ello es la tan efectiva y alucinante “House Of Jealous Lovers”, la cual fue el sencillo de su álbum debut Echoes.

En Echoes nos encontramos con una mezcla de sonidos que de entrada ponen a bailar a quien lo escuche; son sonidos alucinantes, hipnóticos que haciendo mezcla de post punk, funk, dance punk y pop experimental logran crear melodías acidas, tracks que te adentran una locura sónica que ofrece energía y diversión con el fin de poner a bailar a uno.

“Oilo” es la encargada de abrir el álbum, en ella nos encontramos con un track dance en estado puro; con un sonido dramático, pero bastante rítmico es que esta pieza nos recibe. La voz del vocalista Luke Jenner suena dramática, nos transmite una desesperación, pero no nos asfixia en ella, debido a los sonidos rítmicos es que su voz nos despierta las ganas de mover el cuerpo.

El dramatismo está presente en tracks como “Open Up Your Heart” en dónde nos encontramos un track que se aleja un poco de los ritmos de baile. Con “I Need Yor Love” y “House Of Jealous Lovers” es dónde nos encontramos la locura intensa que The Rapture propone con este álbum. Ambos tracks nos dan una efectiva dosis de dance; con la primera nos encontramos con sintetizadores alucinantes que construyen este track. En la segunda, nos encontramos con su sencillo que los catapultó a la fama, el cual es un track que incluye una línea de bajo de dance punk contundente; el dramatismo rítmico es efectivo e impulsa al oyente a querer bailar.

Con Echoes The Rapture irrumpió en la escena con un trabajo novedoso, lleno de mucha inventiva musical y que mostraba el origen de una nueva ola sónica, la del dance punk. Con participación de James Murphy en la producción, fue que The Rapture entregó un álbum referente del dance punk y que a día de hoy sigue poniendo a bailar a todo aquel que lo escuche.

Sufjan Stevens – Michigan

Su nombre completo era Greetings From Michigan The Great Lake State y si Sufjan Stevens ya había llamado la atención de algunos, este, el primer álbum del proyecto de los 50 estados, un disco por estado de los Estados Unidos era la meta de Sufjan, fue el primer estallido, la primer carga de dinamita que lanzaría y acertaría en el lugar correcto.

Para ese entonces Sufjan Stevens era bastante joven y solo tenía dos discos a sus espaldas, así que decidió hacerle un disco al estado en donde creció, de donde podía sacar jugosas historias propias y del folklore del estado, desde los bosques llenos de animales salvajes y hermosos paisajes al lado del gran lago Michigan, la historia racial del estado, el auge de la industria del motor en Detroit y sus alrededores de donde es originario y sobre todo, como fue su vida, su niñez, adolescencia y parte de su adultez a través de narrativas íntimas, conmovedoras, amorosas y temerosas de Dios y del que dirán.

Michigan era un álbum aislado, un álbum para contar todo eso en mente de Sufjan, los héroes locales y la belleza de la naturaleza, para eso este sería su primer álbum donde además de su estilo de cantautor utilizaría a una banda bastante grande para crear un proyecto de pop barroco que le hiciera justicia a sus recuerdos y a su megalomania, también hay que decirlo.

Tenemos el himno del album “Say Yes To Mich!gan ” que es toda una celebración americana, el semi jazz folk de “The Upper Península” cuyo ritmo veinte años después sigue cautivando con su brillante ejecución que raya en lo sensual. O está “Oh Detroit Lift Me Up Your Weary Head” de sonidos totalmente invernales, campanas, trompetas y castañuelas.

Pero en Sufjan como ha sido una constante y una marca de su carrera no solo nos lleva por celebración o terrenos dulces, de hecho el album abre con la triste “Flint (For The Unemployed and underpaid)”, Flint es el condado más pobre del norte de Estados Unidos y un pueblo fantasma, quizás lo más famoso de ese lugar frío y solitario es que de ahí salió el documentalista Michael Moore.

Michigan fue un álbum multi aclamado que puso en la mira a aquel jovencito introvertido que aún no sabía que hacer con su carrera, los medios de Estados Unidos colocaron a Michigan como uno de los álbumes del año y a Sufjan como un talento a seguir, talento que refrendaria y de que forma con una de las obras más colosales de la historia del folk americano y una descabellada locura en 2005 y de la cual ya hemos hablado aquí.

Yeah Yeah Yeahs – Fever To Tell

Es 2003, dos años después del arranque de salida encarnado por The Strokes de un revival del garage rock con Is This It?, un debut aclamado por la critica que significaría no solo el inicio de la carrera de esa banda si no una completa ola que transformaría el rumbo de la música desde inicios de la década de los dos mil y con el paso de los años se ha fortalecido como un cajón de sastre donde caben todos aquellos que el mainstream no ha apoyado, todo lo diferente y propositivo; el indie.

Y si bien el indie es una forma de comercialización ,con el paso del tiempo se volvió en una especie de sonido reconocible que cumplía con ciertas características, influyó en el mundo del arte y la moda, lo que comenzó como un revival garage rock pronto como un pulpo expandió sus tentáculos a diferentes géneros, aquí entra Yeah Yeah Yeahs.

Formados en Ohio pero adoptados para siempre por Nueva York, se podría hablar de Yeah Yeah Yeahs de Karen O, Nick Zinner y Brian Chase como una banda de art-punk por más contradictorio que eso suene pero existe.

Mezclando el punk clásico de gente como The Ramones con inquietudes dark y románticas de Karen y Zinner, sus shows poco a poco fueron llamando la atención por ser salvajes donde Karen O enfundada en leather como una dominatrix inspirada en la canción “Venus In Furs” de The Velvet Underground (una de sus grandes influencias) devoraba el escenario brincando y enloqueciendo de un lado a otros golpeándose, sangrando con vidrios derramando cerveza sobre ella y rompiendo botellas con su cuerpo, sus presentaciones eran frenesí puro.

Para fines de 2002 en Nueva York se sabía que los shows más salvajes de Nueva York los ofrecían Yeah Yeah Yeahs, así que llegó la hora de capturar esa locura en un LP, Fever To Tell salido en 2003 y con un nombre más que adecuado para un debut, sería el producto naciente. Resulta increíble que la banda no perdió nada de la energía de sus shows en vivo en su LP debut.

Fever To Tell captura las dos caras de los Yeahs, el salvajismo, la rapidez y brutalidad en temas como “Date With The Night” y su adictivo ritmo, la histérica “Pin” , la hiperbólica “Tick”, o la psicótica “Man” , todo bajo una mezcla de sonido que suena retro salida de los setenta y sobre todo de los lugares donde tocaban en vivo.

Pero tenemos una clara segunda parte del album donde las inquietudes más estéticas y armónicas de los Yeah afloran, ahí se encuentra la inmortal “MAPS” acrónimo de “My Angus Please Stay” canción de O creada con el corazón roto a un amor que jamás regresó, la hermosamente brutal New Wave “Y Control” o las tristisimas “Modern Romance” y “Poor Song” tocadas en el final del album con una crudeza y en una sola toma en vivo.

Fever To Tell volvió loco al mundo, es un disco del que la gran mayoría que crecimos con él tenemos recuerdos grandiosos y se volvió un clásico de su año y década además de regalarnos a este trío tan talentoso de músicos y sobre todo la imponente figura de Karen O.

Outkast – Speakerboxx/The Love Below

Pocos discos de hip-hop se han llevado el Grammy al Álbum del Año. Speakerboxx/The Love Below de Outkast es uno de ellos. ¿Pero qué hace tan especial a esta producción que además es una de las más vendidas en su género? De entrada, el hecho que Big Boi y Andre 3000 tenían la intención de hacer álbumes en solitario, pero, convencidos por su representante, optaron por combinarlos en lo que terminó siendo un disco doble.

Muchos recuerdan aquel momento en los Source Awards de 1995 en donde Andre 3000 exclamó ante un público que los abucheaba: “El sur tiene algo que decir”. Y es que Outkast se convirtió en un faro para el hip-hop que no era ninguna de las dos costas estadounidenses. En aquel evento todos los ningunearon a pesar de ganar el premio a “Nuevo Grupo de Rap”, pero terminaron por tragarse sus palabras cuando el dueto publicó Aquemini (1998) y Stankonia (2000), dos clásicos.

Cuando se estrenó Speakerboxx/The Love Below los dos raperos habían demostrado talento en un amplio espectro, tocando lo lírico, lo innovador, lo musical. El hecho de que cada quien afianzara sus intereses lo hace aún mejor. Big Boi se concentró mucho más en el estilo sureño de hip-hop con imágenes vívidas y conciencia social; influencias progresivas, funk (todo el poder del bajo) y R&B. Andre 3000 siguió expandiendo el género al combinar pop, psicodelia, música electrónica e incluso jazz mientras que en lo lírico deambula entre la introspección, lo familiar y lo político, entre otros temas.

Sin Outkast el sonido de Atlanta no habría recibido los reflectores que merecía y esta producción lo demuestra. Entre sus temas imperdibles (de 30 en total) están: “The Way You Move” con su toque de soul y destreza vocal; “Hey Ya!”, que más funk y pop que hip-hop pero tan enganchante que se convirtió en una joya de la década; “Church” y su discurso filosófico sobre la religión encima de un teclado alocado; y “Take Of Your Cool”, la colaboración con Norah Jones cuya combinación de armonías vocales y guitarra acústica es de lo más suave.

Jay-Z – The Black Album

Jay-Z, rapero, productor discográfico y empresario estadounidense nacido el 4 de diciembre de 1969 en Brooklyn, Nueva York, no necesita demasiada presentación. La voz de su nombre en la intro de“December 4th” dice: “Shawn Carter was born December 4th, weighing in at 10 pounds, 8 ounces. He was the last of my four children. The only one who didn’t give me any pain when I gave birth to him. And that’s how I knew that he was a special child”. Actualmente es uno de los artistas más exitosos y respetados en la historia del hip-hop y de la música pop. Ha vendido millones de álbumes y ganado numerosos premios, incluyendo múltiples premios Grammy.

The Black Album fue lanzado el 14 de noviembre de 2003. Se anunció como su último álbum antes de su supuesto retiro de la música, lo que generó una gran expectación entre los fanáticos y la crítica especializada. Para el álbum, Jay-Z quería contrató y colaboró con un productor diferente para cada canción, reuniendo en el proyecto a los grandes nombres de la época en el ámbito de la producción: Just Blaze, Kanye West, The Neptunes, Eminem, DJ Quik, Timbaland, 9th Wonder y Rick Rubin, entre otros. El álbum también cuenta con la aparición especial de Pharrell Williams. El nombre del álbum es una referencia del White Album de The Beatles y el Black Album de Metallica.

Este álbum es considerado una obra maestra del hip hop, de esos discos que se convierten en un parteaguas, tanto en el ámbito de la producción, como en su dimensión musical. Es aclamado por su variedad de estilos, el despliegue de una lírica de madurez que demuestra la habilidad de Jay-Z para abordar temas personales y sociales de manera contundente.

The Black Album fue promocionado con una gira de retiro de Jay-Z y por tres sencillos principales: “99 Problems” (con ese intro a capella tan icónico, propuesto por el gran Rick Rubin), “Change Clothes” y “Dirt off Your Shoulder”. El álbum recibió elogios generalizados de los críticos musicales y fue un gran éxito comercial. Debutó en el número uno del Billboard 200 de Estados Unidos, vendiendo 463.000 copias en su primera semana.

Se convirtió en el disco más vendido de Jay-Z en la década de 2000 y fue certificado triple platino por la Recording Industry Association of America en 2005, año en el que Jay Z regresó a la música. Las canciones “Encore”, “Dirt off Your Shoulder” y “99 Problems” también formaron parte del EP Mashup, Collision Course que lanzó con Linkin Park.

The White Stripes – Elephant

Es innegable que The White Stripes con Elephant dio uno de los himnos más grandes del rock de los últimos años y es que, “Seven Nation Army” es una canción icónica del siglo XXI, incluso aquellos que no conocen a la banda han coreado esta canción en algún estadio de futbol o en algún evento importante. Lo cierto es que, más allá de este clásico del rock es que, con Elephant el dúo conformado por Jack White y Meg White dieron un álbum en dónde pudieron juntar sonidos que van desde el blues, el garage y el rock en tracks sólidos y efectivos.

Elephant es el cuarto álbum de The White Stripes, lanzado el 1 de abril de 2003 y en general tuvo críticas favorables, entrando en el top 10 en países como Reino Unido y Estados Unidos. Algo interesante de este álbum es que se concibió en un tiempo de solo dos semanas; la producción estuvo a cargo por el mismo Jack White con ayuda del ingeniero Liam Watson en sus estudios Toe Rag. La grabación de este álbum se realizo con equipo anticuado que Jack poseía, además de que incluyo un cartucho de 8 pistas y equipo de grabación de la década de los 60.

Para aquel momento The White Stripes era una de las bandas más interesantes de la escena del rock, con una propuesta de de folk, punk, garage rock es que este dúo irrumpió en la industria en 1999. El sonido de este dúo únicamente dependía de una guitarra y batería, nada  más, pero, con solo esos dos instrumentos fue más que suficiente para que esta pareja diera forma a un sonido demoledor. Era una propuesta minimalista, sí, pero bastante efectiva.

Con Elephant nos encontramos de entrada con un himno del rock; una canción que con un sencillo, pero muy efectivo riif nos entrega una demoledora canción; es una avalancha sonoroa lo que este poderoso riff nos entrega acompañado de una batería que marca a la perfección el tempo del track. La adrenalina se desata con la intensa y ruidosa “Black Math” y una efectiva dosis de blues rock nos la entregan en “Theres No Home For You Here”

A pesar de haber ya pasado 20 años desde su lanzamiento, Elephant sigue conservando una furia y fueza sónica en cada uno de sus tracks, los cuales al día de hoy siguen sonando bastante bien y se han posicionado como referentes en la escena del rock. Con este álbum The White Stripes reafirmaba que estaban en esta industria músical para ser un referente obligado y volverse en una de las bandas de rock más reconocidas del siglo XXI.

The Shins – Chutes Too Narrow

“La presión por demostrar que era un escritor viable nunca había sido tan fuerte”, cuenta James Mercer, vocalista y líder de la banda de indie rock the Shins. En 2003, el grupo originario de Nuevo México, lanzó su segundo disco, y la presión estaba sobre ellos luego de un debut (Oh, Inverted World de 2001) que los colocó como una banda imperdible dentro de la escena independiente del nuevo siglo.

En Chutes Too Narrow el cuarteto optó por afianzar sus influencias en el pop y el folk de la década de 1960. Las armonías vocales de The Beatles y The Beach Boys están presentes, los arreglos de pop barroco de The Zombies también. Y si nos acercamos más a 1990, grupos como Neutral Milk Hotel y Pavement son otros antecedentes claros, tanto en lo lírico, como en su enfoque ecléctico de un sonido con elementos pop, folk y rock.

Chutes Too Narrow tuvo una grabación por demás complicada. Las sesiones se llevaron a cabo en un sótano de Portland en donde James Mercer solía vivir. Aunque más barato que trabajar en un estudio, el mayor incidente que la banda sufrió fue el robo de la computadora en donde tenían preparadas las primeras versiones de sus temas.

Con solo 10 canciones. El disco ayudó a popularizar el sonido indie aunque repleto de una riqueza sonora y lírica envidiable. “Saint Simon”, su tema más popular, es melancólico y rico en texturass sonoras. Su letra, anclada en la idea de que hay preguntas que ni la ciencia o la religión pueden responder es un buen ejemplo de la evolución de Mercer como escritor.

Otras increíbles son “Kissing The Lipless”, que es totalmente Beach Boys con el rango vocal, pero también rockero en la distosión de su guitarra. Las guitarras temblorosas de “Gone for Good” y “Pink Bullets” se emparejan con la emotividad de sus letras.

Explosions in the Sky – The Earth is Not a Cold Dead Place

En 2003, la banda de post-rock Explosions in the Sky publicó su tercer disco de studio. En The Earth is Not a Cold Dead Place, el grupo integrado por Munaf Rayani, Michael James, Mark T Smith y Christopher Hrasky llevó su talento en las guitarras a una audiencia mucho mayor y es, hasta la fecha, considerado como uno de sus mejores trabajos.

Siendo un LP completamente instrumental, uno de sus mayores logros es la creación de escenas altamente narrativas y emocionales. Solo cuenta con cinco tracks, pero el flujo entre cada uno es delicado e hipnotizante. Es como escuchar una película, cuyas escenas van de lo melancólico, lo desolador y lo maravilloso. “Antes de formar parte de esta banda, los cuatro estábamos convencidos de que nos dedicaríamos al cine”, declaró en algún punto Munaf Rayani.

Tres de los integrantes tocan la guitarra; son justamente las notas que se hilan y trenzan mutuamente las que dotan de un colorido único a toda la experiencia sonora. Hay otros elementos que elevan las texturas. El más evidente es la batería, que a veces es el motor que impulsa los crescendos, pero también cascabeles casi navideños del track inicial “First Breath After Coma”.

Con los años The Earth is Not a Cold Dead Place se convirtió en una gran puerta de entrada para quienes estaban descubriendo un género que muchos tachan de difícil acceso. De hecho, su tema más popular es el que cierra el disco. Hablamos de “Your Hand Is Mine”, una canción que supera los ocho minutos y en cuyos momentos más emotivos parece decirnos que no hay emoción más desgarradora y a la vez gratificante como el amor.

Menciones Honoríficas (Otros discos de 2003)

Aquel año estuvo lleno de buena música, hay grandes discos en géneros y locaciones muy diferentes. Para que tengas un mayor panorama de la relevancia de este año, aquí te mencionamos otros de los mejores discos de 2003.

Radiohead – Hail to the Thief

Beyoncé – Dangerously in Love

50 Cent – Get Rich or Die Tryin’

The Mars Volta – De-Loused in the Comatorium

The Postal Service – Give Up

The Strokes – Room on Fire

Muse – Absolution

Death Cab for Cutie – Transatlanticism

A Perfect Circle – Thirteenth Step

Warren Zevon – The Wind

Four Tet – Rounds

Calexico – Feast of Wire

Lucinda Williams – World Without Tears

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