10 discos de 1993 que marcaron historia

En Columna Musical, sabemos que la década de los 90 fue un periodo trascendental para la música. Por ello, hemos compilado una lista con 10 discos de 1993 que, a juicio de nuestro equipo, son imperdibles y que han dejado una huella indeleble en la Historia. Desde el auge del grunge hasta la consolidación del hip-hop, estos discos reflejan un momento único lleno de grandes lanzamientos.

Si los 80 nos regalaron ritmos sintéticos y cabellos alborotados, los 90 nos trajeron una amalgama de estilos que definen aún hoy la diversidad del paisaje musical. El grunge, con bandas como Nirvana y Pearl Jam, ya había invadido las ondas radiales, y en 1993, artistas como The Smashing Pumpkins continuaron llevando el sonido “alternativo” a nuevas alturas. Paralelamente, el hip-hop se estaba afianzando como una fuerza cultural, con nombres como Wu-Tang Clan, Cypress Hill y A Tribe Called Quest marcando el rumbo.

Consideremos también a quienes estaban iniciando en ese año. Grupos tan variados como Blind Melon, Tool, Suede (adelantando una nueva oleada británica conocida como britpop poco después) y Radiohead tuvieron discos debut. Y qué decir de los artistas en solitario como Björk y Snoop Dogg que, con los años, se convirtieron en personajes claves de la música popular.

Cuando te platicamos sobre nuestros discos de 1983 favoritos, hablábamos de cómo el canal MTV cambió la forma en la que las personas consumían música. Para este momento el programa “MTV Unplugged”, que ponía a los músicos a tocar de forma acústica, era todo un suceso. Y en 1993, Nirvana, Duran Duran, Bruce Springsteen y los Stone Temple Pilots (entre otros) tuvieron presentaciones que pasarían a la historia.

Que comiencen las recomendaciones. Aquí te presentamos 10 discos de 1993 que deberías escuchar, mínimo, una vez en tu vida.

Nirvana – In Utero

El tercer y último disco del trío (Kurt Cobain, Krist Novoselic y Dave Grohl) de Washington es In Utero. Para este momento Nirvana ya había llevado al grunge al mainstream con Nevermind (1991), pero la ira, la angustia y corazón descontrolado de su líder estaban lejos de apaciguarse. Más crudo y más violento, el LP contó con la producción de Steve Albini. Su versión alarmó a varios directivos de la disquera DGC aunque, para nuestra fortuna, al final todos cedieron para que el disco viera la luz (aunque varios temas tuvieron que ser mezclados de nuevo).

Albini fue pieza clave en esta decisión ya que, por momentos, incluso los propios integrantes del grupo no estaban conformes con el sonido destructivo de las 12 canciones que conforman In Utero. Mucho de lo que lo hace tan visceral es la intención de distanciarse de lo hecho en el disco previo. Durante la semana que duraron las grabaciones, el productor impulsó a Kurt a grabar, por ejemplo, en una habitación resonante para que sus alaridos sonaran aún más agresivos.

Tristemente, la depresión de cantante principal se hace visible en todas las pistas. De alguna forma u otra, las imágenes en la letra siempre vuelven a un momento desagradable. Incluso las piezas menos alienantes como “Dumb”, terminan por comparar los lapsos de alegría con la estupidez humana.

El álbum también visibiliza la madurez de sus integrantes. Atrás quedaron los momentos de debilidad juvenil, ahora, la lírica apunta hacia un terreno en donde anímicamente no hay mejoría, y además hay menor energía para lidiar con el mundo.

“Heart-Shaped Box” es una de las pistas emblema del disco. Logra capturar la esencia de Nirvana del mismo modo que “Come As You Are” lo había hecho en Nevermind; con sus cambios de ritmo, intensidad y buena dosis de distorsión. “All Apologies”, combinando las texturas eléctricas con el sonido del cello es otro clásico para los tristes (y enamorados). “Scentless Apprentice” y “Milk It” son otras de nuestras piezas predilectas si de personalidad ruidosa se refiere.

The Smashing Pumpkins – Siamese Dream

Smashing Pumpkins nunca fue una banda de grunge, sin embargo por azares del destino también fue incluida en esa ola justo cuando estaba en su punto más alto. La banda formada por Billy Corgan a finales de los 80 en Chicago al inicio era una mezcla entre rock alternativo, heavy metal, rock psicodelico, glam rock y gothic rock, además de absorber otros géneros por el camino como el shoegaze, el dream pop y la música de camara de arreglos orquestales.

Despues del mediano recibimiento en 1991 con su album debut Gish, la banda, o más bien el ego total de Corgan (La leyenda negra dice que él tocó todos los instrumentos en Siamese Dream dejando a sus compañeros como meros patiños) fueron más ambiciosos que cualquier cosa que hubieran hecho antes.

Con la escena ya conocida y un nombre establecido, Siamese Dream salió a la venta un 27 de julio de 1993 sin saber que sería el album que catapultaría a Smashing Pumpkins al estrellato no solo comercial si no critico. Corgan en los tempranos noventa americanos solo se puede comparar con gente brillante como Reznor o Stipe en cuando a genialidad, verdaderos frontman y hombres todo terreno, líderes natos.

Siamese Dream es una obra maestra del alternativo made USA, desde la introducción de redobles de “Cherub Rock” y su agria critica a la industria musical, la melodiosa “Today” ensoñadora e In Your Face, la eterna “Disarm” con sus arreglos orquestales góticos, el space rock de “Rocket” , la amarga y deprimente “Mayonaise” que le dolió a toda una generación, la Bowie glam “Spaceboy” o la encantadora heredera del dream pop “Luna”.

Después, después vendría un proyecto titánico y gigantesco, el album doble por excelencia de los noventa, pero lo que tiene Siamese Dream es que a pesar de su ambición, es un álbum que no se siente nunca buscando el que sea alabado por todos, es espontáneo, fresco, natural y derrocha talento por todos lados, nunca cayendo en excesos histriónicos aunque su éxito ayudó a pavimentar esos arrebatos futuros.

Morphine – Cure For Pain

Morphine es una de las pocas bandas que han combinado a la perfección elementos de blues y jazz con arreglos minimalistas de rock. Su sonido es inusual. Mark Sandman, el elegante vocalista canta con un estilo profundo, relajado y melancólico. La música a diferencia de otras bandas del llamado rock alternativo de la década de los 90 no está organizada alrededor de la guitarra eléctrica, sino que predomina la base rítmica en un diálogo cadencioso entre batería y bajo. La propia banda acuñó la etiqueta “low rock” para describir su música.

Su segundo álbum de estudio fue titulado Cure for Pain refina el sonido oscuro y seductor de Morphine, impulsado por el bajo de dos cuerdas de Sandman y su distintiva voz profunda. Otro elemento distintivo es el uso de Dana Colley de saxofón barítono y saxofón tenor.

El álbum incluye canciones como “Thursday” (cuyo vídeo apareció en un episodio de Beavis and Butt-head) y “Buena”, que capturan la esencia melancólica y adictiva de Morphine. Las canciones “Sheila” y “In Spite of Me” aparecieron en la banda sonora de la película independiente de 1994 Spanking the Monkey.

Cure for Pain es un álbum que dibuja a la perfección la exploración sonora del rock alternativo de los años 90, su actitud desganada, su poética y su sello musical tuvo un impacto duradero en la escena independiente. Trágicamente, Mark Sandman falleció de un ataque cardíaco a los 46 años, mientras daba un concierto junto a Morphine en Palestrina, Italia. Actualmente es considerado uno de los bajistas más más talentosos y subestimados de su generación.

The Cranberries – Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?

Desde Irlanda surgió un grupo cuyo debut logró capturar los oídos del mundo. The Cranberries se formaron en 1989 y solo tuvieron un cambio en su alineación: la llegada de Dolores O’Riordan, cuya inconfundible voz sigue siendo un gancho perfecto para animarse a escucharlos. El resto de la banda lo integraron los hermanos Mike y Noel Hogan y el baterista Fergal Lawler.

Con el nombre original de The Cranberry Saw Us, el cuarteto se hizo de un nombre en la escena independiente de Irlanda. Pero no fue hasta 1991 cuando, en un concierto en la Universidad de Limerick, fueron descubiertos por Denny Cordell de Island Records. Fue con ellos con quienes firmaron un contrato de seis discos, se cambiaron el nombre, y se aventuraron al estudio Windmill Lane de Dublín para comenzar a trabajar en Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We?

Todo esto sucedió a principios de 1992. Y en septiembre lanzaron la primera bomba: “Dreams”, un sencillo cuyo género (dream pop) está ligado a su título. La maestría vocal es cautivadora y adelantaba un estilo dulce ligado a la suavidad alternativa, pero con un giro en el uso de lamentos gaélicos. Ya en 1993 llegó “Linger”, hasta la fecha, su segunda canción más popular.

Con 12 tracks, dos de los cuales ya mencionamos, Everybody Else Is Doing It, So Why Can’t We? es más pop que rock, pero igualmente alternativo. Sus alcances en cuanto a géneros se extienden hacia el jangle y el folk. Como te decíamos, la voz de Dolores es esencial para dirigir un disco que es atmosférico y evocativo, en donde la letra se sincera al hablar del amor, sus tropiezos y la vida. Mención aparte se merece la combinación entre la guitarra eléctrica (Noel) y la acústica (Dolores) que, entre rasgueos logran envolvernos en una experiencia ensoñadora.

Bjork – Debut

Cuando este album salió recibió una calificación de dos estrellas en la entonces toda poderosa publicación de música Rolling Stone. Como ha cambiado el tiempo…hoy no falta top que actualicen donde incluyan a esta obra como uno de los mejores discos de todos los tiempos, con la cola entre las patas, después de escribirle en el 93 “¿Que rayos está haciendo esta mujer?” , ahora cualquier publicación razonable no se atreve a toserle a Debut de Bjork.

Despues de la revolución Trip-Hop y el ascenso cada vez más claro de la música electrónica tanto dance como experimental, era claro que esa combinación de clubes underground europeos tenía que llegar al mundo del pop mainstream. Aquí aparece Bjork con su “Debut” y si, entre comillado ya que el título es un tanto irónico para una artista que en su país habia estado haciendo música desde los once años metiéndose en cuanto proyecto le llamara la atención, musical tradicional islandesa, punk, rock alternativo. Y después de ahí su álbum de 1993.

Así como nos toma un tiempo entender una complicada ecuación ,así le tomó al mundo comprender a Björk , ¿Quién había promovido de la nada a ocupar los primeros lugares de popularidad en Europa a esa rarísima islandesa?

Y más tiempo tomó en Estados Unidos comprender a esta mujer pero en el fondo, detrás del imponente vanguardismo que le estaba inyectando al pop mainstream y al dance (Usando elementos de la subcultura rave inglesa) se encontraba un disco de art pop muy influenciado por gente como su ídola Kate Bush.

Hoy nos suena a algo que ya tenemos bastante familiarizado, pero para ese 1993 era algo muy novedoso, Avant Garde. Un album que junto con la voz de Björk ponía al mismo nivel el uso de beats tremendamente originales e innovadores como en “Human Behavior”, “Crying”, “Venus As A Boy”, el pop más sensual de temas como en “Come To Me” , el dance jazz de “Big Time Sensuality” el jazz directo de “Like Someone In Love” o la electrónica más pura y rave de “Violently Happy” sin dejar atrás su tema de banda de marineros “The Anchor Song”.

Era un enigma que una rareza como ese album de raíces trip hop ,jazz y art pop se colará dentro de los más exitosos del 93 pero fue el, ahora sí, ‘Debut’ de una artista cada vez más arriesgada, experimental y excéntrica a la cual para poder colaborar con ella gente como la misma Madonna tenía que hacer fila.

The Breeders – Last Splash

Hay veces en las que, por razones inesperadas, un proyecto secundario crece lo suficiente para desbancar a lo que antes era lo más importante. Algo así le pasó a Kim Deal, bajista de los Pixies. Sucedió en 1993: la banda con la que llevaba tocando desde 1986 se desintegró, dándole oportunidad para enfocarse en su grupo alterno: The Breeders. El cuarteto, integrado en ese entonces por Kim, Tanya Donelly, Josephine Wiggs y Britt Walford, llevaba tocando desde 1989, pero la fama las alcanzó cuando lanzaron su segundo álbum de estudio, Last Splash.

Hasta la fecha, el disco de The Breeders es considerado como un auténtico underdog en el boom del rock alternativo. Y sin embargo, la combinación de ganchos en sus riffs, de reverbs intensos, de líneas melódicas de bajo, de armonías vocales tan dulces como punzantes, hacen de Last Splash un infaltable en cualquier lista de lo mejor del grunge.

Con 15 canciones, el disco hace relucir el talento y liderazgo de Kim Deal, tanto en la letra como en lo instrumental. Por momentos se acerca al surf rock, tiene sus pinceladas country, nos presume sus power-chords, se deja ir entre distorsiones y sonidos acústicos. Lo que pocos saben es que fue ella quien ideó mucho del sonido “sucio” y “rebelde” en el estudio –todo sea por el grunge.

“Cannonball” es el track por excelencia de esta producción: con su gran línea de bajo y licks en la guitarra, logra encapsular el estilo de una generación. Cuando se pone intensa, lo hace con toda la distorsión y eso solo puede disfrutarse. “Drivin’ on 9”, “No Aloha” e “Invisible Man” son otros clásicos. “I Just Wanna Get Along” y sus rasgueos en la guitarra son otra joyita que tiene menos reflectores.

Slowdive – Souvlaki

1991 fue un año histórico para la música moderna, es el año de arranque de dos subgéneros dentro del rock, uno infinitamente más popular que el otro, que impusieron nuevas reglas: el grunge y el shoegaze.

El grunge tuvo un gran golpe en 1994 meses después de la muerte de Kurt Cobain y siguió perdiendo intensidad hasta 1997 con la ruptura de Soundgarden. El shoegaze nunca fue un fenómeno de masas y siempre fue asociado a bandas a las cuales se les ha tachado hasta de “pretenciosas”. Sin embargo, es un subgénero que no solo ha sobrevivido hasta nuestros días sino que se ha adaptado y enriquecido.

Slowdive se formó en 1989 tomando ese nombre de banda gracias a un sueño de Nick Chaplin, bajista. Al principio eran una banda de rock alternativo, después apareció Loveless de My Bloody Valentine en sus vidas en 1991. El resto es historia.

Souvlaki es un disco de shoegaze y dream pop que aunque editado en el ’93, fue despreciado por algunos críticos, uno de Melody Maker reseñó que prefería ahogarse en un bañera antes de escucharlo, el album no debutó bien y se le puede considerar un fracaso en su lanzamiento. En Inglaterra el shoegaze ya les interesaba a pocos, ahí venía el britop.

Llama la atención que para este disco Slowdive contó con la participación y ayuda de Brian Eno quien le dió una perspectiva más ambient a la banda, mucho más amplia, los temas al inicio estaban inspirados en el sonido de Low de David Bowie y de Joy Division pero fueron evolucionando.

“Machine Gun” es un ejemplo de la brillantez a la que había llegado la banda de Reading, es un himno guitarrero completamente distorsionado como el sonido de una lámina sobre la que cantos pastorales y etereos de Rachel Goswell logran una unidad perfecta.

“40 days” , “Sing” o la totalmente dream “Here She Comes” se suceden de manera perfecta creando un álbum atemporal que si bien en su momento fue despreciado por algunos, medios como Pitchfork y NME han rescatado y el álbum con el tiempo se ha convertido en una pieza que si bien puede ser tratada con pretensiocidad por sus impulsores, no deja de ser una obra maestra de los alumnos más aventajado del shoegaze que explotó con Loveless.

¿Qué habrá pasado con el crítico de la bañera?

Wu-Tang Clan – Enter the Wu-Tang (36 Chambers)

En el penúltimo mes de 1993, el hip-hop experimentó un hito en su historia musical. El 9 de noviembre se estrenó Enter the Wu-Tang (36 Chambers) ópera prima de Wu-Tang Clan, un álbum que cambió las reglas del hip hop, tanto en su resultado como en su proceso de producción, así como en el manto de influencia que se extendería a lo largo de las décadas siguientes. El álbum actualmente ocupa el puesto número 29 en la lista de la revista Rolling Stone de los 500 mejores discos de todos los tiempos.

Wu-Tang Clan, un colectivo de Staten Island, conformado por nueve MC’s, aportó un enfoque fresco y crudo al género. Desde su primer material destacaron por su estilo lírico distintivo y sus ritmos oscuros y pesados. El álbum se convirtió en un suceso debido a su importancia en el renacimiento del sonido y la escena East Coast, así como en el impulso de una importante veta de raperos de Nueva York.

Entre las canciones más representativas se encuentran “C.R.E.A.M.”, “Tearz” y “Protect Ya Neck”, que siguen siendo himnos del rap hasta el día de hoy. El álbum también marcó el inicio de las exitosas carreras en solitario de varios de sus integrantes, como Method Man y RZA, este último, también productor del disco en su totalidad.

La producción de RZA ha tenido una influencia profunda y significativa en la forma de trabajar de muchos productores de hip hop posteriores. Muchos productores de rap exitosos han admitido la influencia de los ritmos de RZA en sus propios esfuerzos de producción. Entre ellos 9th Wonder, productor y ex miembro de Little Brother, The Alchemist, Kanye West y Just Blazee, entre muchos otros.

Entre las técnicas influyentes se encuentra la predilección por beats pesados y oscuros, el uso de sonidos extraídos de clips de películas de artes marciales (de hecho, el título del álbum está inspirado en dos películas clásicas de artes marciales: Enter the Dragon (1973) y The 36th Chamber of Shaolin (1978) y la utilización samples de música soul. Esta relación con el archivo al mundo del soul fue novedosa en ese momento y actualmente es sin duda una de las aportaciones más significativas de productores y DJs del hip hop. 

Enter the Wu-Tang marcó el comienzo de un nuevo sonido y una lírica mucho más humorística, con referencias a otros aspectos de la cultura, así como el uso de libre asociación. Esto modificó la manera de pensar el hip hop en un momento en que este género estaba dominado por los estilos influenciados por el jazz de A Tribe Called Quest, los puntos de vista afrocéntricos de Public Enemy y la creciente popularidad del gangsta rap de la costa oeste.

PJ Harvey – Rid Of Me

Polly Jean Harvey de Dorset, Inglaterra debutaría en 1993 con este album totalmente guitarrero y de letras poéticas y rebeldes. La artista estaba en plena efervescencia de su juventud y Rid Of Me es tanto amenazante como intimidante pero profundamente coherente y producto de su época, su edad.

Rid Of Me posee un tema homónimo excelente que funge como abridor de esta obra de letras y ritmos agresivos, Harvey se presentaba como una mujer a la que habría que tenerle bastante respeto.

La cantautora, excelente guitarrista y mejor letrista se presentaba en temas como “Missed” o “Rub’ Till It Bleeds” como una verdadera fuerza de la naturaleza desatada, y luego tenemos rarezas geniales como “Man- Size Sextet” con sus extravagantes cuerdas y su noise desatado por elementos externos a los instrumentos musicales, como si se elementos de música concreta se tratara.

PJ Harvey logró impactar al Reino Unido con su imagen de mujer impredecible, el excelente Rid Of Me solo fue un debut de ensueño para alcanzar la cima después y convertirse en una de las cantantes más eclécticas del planeta que igual te puede mandar a la mierda que sacar música tristisima sobre la perdida de la maternidad o hacer un álbum basado completamente en un hecho histórico.

A la fecha PJ Harvey es una de las figuras más respetadas de la música británica. Yo le dedicaría de este disco “Snake” a uno que otro por ahí. Rid Of Me es fantastico.

Janet Jackson – Janet

En 1993 un contrato de $80 millones de dólares era algo impensable. Incluso para figuras tan avasallantes como Madonna o Michael Jackson, quienes hasta ese año ostentaban los récords de acuerdos más jugosos con disqueras, era una cantidad excesiva. Precisamente Janet Jackson, hermana menor de los diez hermanos Jackson, fue la que consiguió el contrato más grande en la historia de la industria. Para el lanzamiento de su quinto álbum, titulado simplemente Janet con Virgin Records, se acordó un pago que la convirtió en la artista mejor pagada del momento.

Janet cuyo nombre insinúa una suerte de emancipación del apellido Jackson, fue un disco que tuvo un impacto significativo en la música pop y el R&B. Este álbum marcó un punto de inflexión en la carrera de Janet, ya que presentaba una imagen más madura y sensual, incluso empoderada.

En septiembre de ese año, Janet apareció en topless en la portada de la revista Rolling Stone, con las manos de su entonces marido René Elizondo Jr, tapando sus senos. Sobre esta nueva faceta de liberación sexual, la cantante aseguró que: el sexo ha sido una parte importante de mi durante varios años, pero no había florecido públicamente hasta ahora. He tenido que dejar de lado un poco de mis viejas actitudes para sentirme totalmente a gusto con mi cuerpo. Al escuchar mi nuevo disco, la gente intuitivamente entiende el cambio en mí”.

Uno de los sencillos más icónicos del álbum, “That’s the Way Love Goes”, se convirtió en un himno romántico y ganó un Grammy. El álbum también incluyó temas provocativos como “If”, “New Agenda” con la colaboración del rapero Chuck D y “Any Time, Any Place” (sampleada en la genial “Poetic Justice” de Drake y Kendrick Lammar).

Muchos de los sencillos, tanto por sus letras, como por sus vídeos generaron controversia y consolidaron la posición de Janet como una figura influyente en la constelación de artistas que renovaron el R&B. El editor de Rolling Stone, David Ritz comparó la transformación de Jackson con la del cantante Marvin Gaye, diciendo lo siguiente:

Cómo Marvin Gaye pasó desde What’s Going On a Let’s Get It On, a sí mismo Janet pasa tan seriamente como Marvin, desde Rhythm Nation a Janet; en su declaración de liberación sexual.

La producción del álbum contó con la colaboración de Jimmy Jam y Terry Lewis, quienes ayudaron a dar forma al sonido distintivo de Janet Jackson.

Menciones Honoríficas (Otros discos de 1993)

1993 tuvo una cascada de buena música, hay grandes discos en géneros y locaciones muy diferentes. Para que tengas un mayor panorama de la relevancia de este año, aquí te mencionamos otras joyas:

Snoop Doggy Dogg – Doggystyle

Counting Crows – August and Everything After

Radiohead – Pablo Honey

Pearl Jam – Vs.

Depeche Mode – Songs of Faith and Devotion

Meat Loaf – Bat Out of Hell II: Back into Hell

Tool – Undertow

A Tribe Called Quest – Midnight Marauders

U2 – Zooropa

Onyx – Bacdafucup

Midnight Oil – Earth and Sun and Moon

Jamiroquai – Emergency on Planet Earth

Stereolab – Transient Random-Noise Bursts with Announcements

Ziggy Marley and the Melody Makers – Joy and Blues

The Flaming Lips – Transmissions from the Satellite Heart 

Nuestras otras listas de aniversarios de discos

Para más listados interesantes, te recomendamos nuestras otras listas de discos que cumplen importantes aniversarios:

10 discos de 1967 que cumplen años

10 discos de 1972 que cumplen años

10 discos de 1973 que cumplen años

10 discos de 1982 que cumplen años

10 discos de 1983 que cumplen años

10 discos de 1992 que cumplen años

10 discos de 2002 que cumplen años