Hoy hablaremos sobre discos de 1973. Seamos sinceros, no importa el año, siempre habrá algo de buena música publicada, pero lo que no podemos negar es que hay algunos en donde parece que el talento se puso de acuerdo para entregarnos joyas dignas de cambiar la historia.
Pensemos que este año fue formidable para algunos géneros: el rock progresivo, por ejemplo, nos mostró cómo varios actos musicales cuya historia se remonta a los 60 ahora tenían la visión y madurez necesaria para entregarnos álbumes como The Dark Side of The Moon de Pink Floyd o Larks’ Tongues in Aspic de King Crimson. Lo mismo se puede decir del pop, el soul, el folk, el country, y podríamos seguirnos.
La evolución de los estudios de grabación les permitió a los músicos hacer exploraciones antes difíciles de conseguir. Más pistas para grabar daban libertad para elegir las texturas de las canciones; la introducción de los secuenciadores, y los avances en el tamaño y características de los sintetizadores le abrieron el horizonte a quienes buscaban sonidos artificiales y enigmáticos.
La música seguía diversificándose con artistas como Bob Marley, Willie Colón y Fela Kuti entregaron discos excepcionales desde tradiciones que muchos escuchas no conocían. Y cómo olvidarnos de los debuts: Bruce Springsteen, Queen, Lynyrd Skynyrd, Mike Oldfield, The Pointer Sisters, Tom Waits y más.
Notarás un énfasis rockero en nuestro listado, pero lee hasta el final para encontrar algunas recomendaciones adicionales de discos de 1973 que merecen al menos una escuchada.
- Wings – Band on the Run
- Elton John – Goodbye Yellow Brick Road
- Genesis – Selling England By The Pound
- The Stooges – Raw Power
- King Crimson – Larks’ Tongues in Aspic
- The Who – Quadrophenia
- Stevie Wonder – Innervisions
- Mike Oldfield – Tubular Bells
- David Bowie – Aladdin Sane
- Pink Floyd – The Dark Side Of The Moon
- Menciones Honoríficas (Otros discos de 1973)
- Nuestras otras listas de aniversarios de discos
Wings – Band on the Run
En 1973, el mundo musical fue testigo del lanzamiento de un álbum que marcaría un hito en la carrera de Paul McCartney. Nos referimos a Band on the Run, tercer álbum de estudio, y posiblemente el más celebrado de la banda Wings. Si has ido a un concierto del ex-Beatle notarás que casi todo el lado A desde disco forma parte de su actual setlist.
Band on the Run se distingue por sus melodías pegajosas y su mezcla ecléctica de rock, pop y folk, todo ello con la inconfundible marca de Paul McCartney, quien para este momento era ya un cantautor con una visión más madura. Los éxitos más populares del álbum incluyen la canción homónima “Band on the Run“, que se convirtió en un himno para quienes necesitan escapar de las convenciones del momento, y seguir sin detenerse hacia lo que la libertad ofrezca. Y “Jet”, un enérgico rockero cuyo título está inspirado en uno de los cachorros labradores de los McCartney.
El álbum se grabó en Lagos, Nigeria, en los estudios ARC del baterista Ginger Baker. Como imaginarás las condiciones eran muy diferentes a las que estaban acostumbrados en los estudios de grabación de Londres. Las grabaciones estuvieron llenas de contratiempos: la pareja fue asaltada perdiendo mucho material, dos miembros del grupo desertaron, fueron confrontados por el legendario Fela Kuti, Paul tuvo un espasmo bronquial que casi lo mata, entre otros desafíos.
Además de los éxitos mencionados, “Band on the Run” cuenta con temas que reflejan la evolución del sonido de Wings. Canciones como “Mrs Vandebilt“, cuya línea de bajo es de lo mejor de Paul, “Nineteen Hundred and Eighty Five” y la sumamente beatle “Let Me Roll It” se convirtieron en clásicos de la radio y del corazón de los fans.
Elton John – Goodbye Yellow Brick Road
Dentro de sus varias obras maestras, Elton John tuvo una racha impresionante en la década de los setenta donde se convirtió en una superestrella que brincaba del pop al rock con una naturalidad desbordante.
Goodbye Yellow Brick Road es el séptimo álbum de estudio de Elton John, lanzado en 1973. Es uno de los álbumes más populares y aclamados de su carrera, y contiene algunas de sus canciones más icónicas, como “Candle in the Wind”, “Bennie and the Jets”, “Goodbye Yellow Brick Road” y “Saturday Night’s (Alright for Fighting)”. El álbum fue producido por Gus Dudgeon y grabado en Francia.
En una época donde Elton, en plena efervescencia creativa, arremolinaba en su mente cantidad de sonidos, Goodbye Yellow Brick Road se destaca por su diversidad de estilos musicales, desde el rock y el pop hasta el country y el gospel, y por las letras profundas y emotivas de un Bernie Taupin en estado de gracia.
Desde su lanzamiento, Goodbye Yellow Brick Road ha sido multielogiado por la crítica especializada y ha vendido más de 30 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndolo en uno de los discos más exitosos de todos los tiempos.
Genesis – Selling England By The Pound
El álbum Selling England by the Pound es el quinto disco de estudio de la banda de rock progresivo Genesis. Es considerado por muchos críticos y fanáticos como uno de los mejores trabajos de la banda y una de las piedras angulares más importantes e influyentes su género.
El álbum presenta una combinación única de letras inteligentes y complejas, la obra es un trabajo totalmente complejo, no solo en lo que es en el sentido musical, sino que también posee letras mágicas, metafóricas y hasta filosóficas como respuesta crítica al vivir del Reino Unido, o Inglaterra en específico, al venderse a la globalización y perder su identidad, idea con aire patriótico que podemos aplicar perfectamente al mundo actual y que cobra aún más sentido para cualquier lugar del mundo.
Selling England By The Pound es música elaborada y arreglos orquestales intrincados. Cada una de las ocho canciones es una obra maestra en sí misma, desde la apertura con la poderosa “Dancing with the Moonlit Knight” , la sinfónica y encumbrante ” The cinema show” o la épica (y favorita de muchos) de 9:34 minutos “Firth Of Fifth“.
El álbum también presenta la formación clásica de Genesis, que incluye a Peter Gabriel en la voz principal, Tony Banks en los teclados, Mike Rutherford en el bajo y la guitarra, Steve Hackett en la guitarra y Phil Collins en la batería y los coros. La química entre estos músicos es evidente en todo el álbum, con cada uno aportando su estilo único y habilidades a la mezcla.
The Stooges – Raw Power
En Columna Musical y en el mundo, el sabio del punk es y seguirá siendo Iggy Pop. En 1973, el músico aún tocaba con los hermanos Asheton en The Stooges y su tercer álbum, Raw Power, es el punto más alto en su carrera. El impacto de este disco de “proto-punk” se percibe hasta la fecha y su crudo enfoque, visceral y lleno de energía, es inolvidable.
Raw Power tiene sonido abrasivo y desenfrenado, con riffs potentes y una base rítmica contundente que resuena en cada tema. Curiosamente, sus dos principales éxitos: “Search and Destroy” y “Gimme Danger” abordan la intensidad desde ángulos distintos. La primera es un garage rock hecho para hacer estallar bocinas. James Williamson se luce en la guitarra con un sonido que por momentos tiene algo de Keith Richards y qué decir del bajeo y los fills de batería. El segundo es un track más melódico, pero igualmente apasionado al momento de reflejar emociones que demuestra la versatilidad de la banda.
La primera mezcla del disco estuvo a cargo de Iggy Pop, pero fue muy mala, al grado que David Bowie tuvo que remezclar siete de las nueve canciones en un día. Bowie recuerda que Iggy le llevó una cinta de 24 pistas en donde solo se habían aprovechado tres. “Me dijo: ‘A ver qué puedes hacer con esto’. Yo respondí, ‘Jim, no hay nada que mezclar’. Así que subimos y bajamos mucho la voz.”
En Raw Power el sonido más garage de The Stooges potencia y refina a la vez. En apenas 34 minutos y algunos segundos, el grupo es más directo, crudo y creativo que en sus lanzamientos previos. Canciones como “Your Pretty Face Is Going to Hell” y “Penetration” ejemplifican esta evolución, demostrando la audacia y el talento de la banda para reinventarse.
King Crimson – Larks’ Tongues in Aspic
Larks’ Tongues in Aspic es el quinto álbum de estudio de la banda británica de rock progresivo King Crimson, lanzado en 1973. Es considerado por muchos como uno de los trabajos más innovadores y desafiantes de la banda.El álbum presenta una formación completamente nueva de King Crimson, con el guitarrista Robert Fripp siendo el único miembro que permaneció de la formación anterior.
Los nuevos miembros incluyeron al violinista y vocalista David Cross, al percusionista Jamie Muir, al bajista y vocalista John Wetton, y al baterista Bill Bruford. El álbum contiene ocho pistas, que van desde la hermosa y tranquila “Book of Saturday” hasta la extensa y caótica “Larks’ Tongues in Aspic Part II”. El álbum también presenta la primera aparición de la icónica “Larks’ Tongues in Aspic Part I”, que presenta un tema principal memorable y un solo de violín impresionante de David Cross.
También sería con este álbum el inicio del estilo de tocar guitarra de Robert Fripp llamado Frippertronics que lo llevarían a trabajar con gente como David Bowie y Brian Eno y se trata de los inicios del looping tal y como lo conocemos.
The Who – Quadrophenia
Cuando Quadrophenia fue publicado, The Who ya estaba familiarizado con las Óperas Rock. Tommy (1969) mostró la facilidad de Pete Townshed para hilar historias a lo largo de un solo disco. Who’s Next (1971) fue originalmente otra obra de esta categoría cuya ambición terminó por hacerla inviable, pero en 1973 los británicos regresaron para llevar al hard rock a nuevas alturas con un álbum doble. Su influencia fue tal que incluso llegó al cine con la película homónima de 1979.
Quadrophenia es un disco conceptual que marcaría un punto de inflexión en la carrera de la banda, fue tan bueno que después ya todo se vino hacia abajo en cuanto a calidad. La obra narra la historia de Jimmy, un joven mod británico, en el contexto de los enfrentamientos entre mods y rockers en la Inglaterra de los años 60. A lo largo de este ambicioso proyecto, The Who aborda temas como la identidad, la rebeldía y la búsqueda de un propósito en la vida.
El proceso de grabación fue meticuloso y ambicioso. The Who grabó el álbum en varios estudios. Primero en Ramport Studios, un espacio propiedad de la banda que eventualmente se convirtió en un obstáculo por no contar el equipo necesario para satisfacer las necesidades creativas del grupo. Luego de grabar en un estudio móvil y prestado se mudaron a los Olympic Studios de Londres.
“Love, Reign o’er Me” es la canción más emblemática de Quadrophenia y también la que cierra el disco. Escuchar la desgarradora voz de Roger Daltrey describir el último capítulo en la historia de Jimmy, así como la potencia electrizante en la guitarra de Pete hacen que se enchine la piel. El tema va más allá con efectos especiales y acompañamientos de cuerdas. “I’m One”, “The Real Me” y “The Punk and the Godfather” son otros tracks geniales; el último incluso es autorreferencial (¡qué avanzados!)
Stevie Wonder – Innervisions
El funk y soul no pudieron estar mejor representados en 1973. Innervisions de Stevie Wonder es su LP número 16 y también uno de los mejores trabajos en su discografía. Inmerso en su etapa dorada, el músico había lanzado dos álbumes Music of My Mind y Talking Book (1972), con un enfoque conceptual y socialmente consciente. Inspirado en discos como What’s Going On de Marvin Gaye decidió seguir explorando temas sociopolíticos.
El disco es resultado de una serie de negociaciones con su disquera lo que le dio mayor control creativo. Más impresionante todavía es el hecho de que Stevie Wonder se encargó de la composición, interpretación, arreglos y producción de Innervisions. De las nueve pistas que componen el álbum, el músico de Michigan tocó todos los instrumentos en seis.
Las texturas y exploraciones sonoras son de agasajo. Gran parte del colorido en este disco se debe a las facilidades tecnológicas que tuvo Wonder mientras grababa en los estudios de Record Plant. La mezcla del sintetizador ARP, el Moog, los órganos y sobre todo el T.O.N.T.O. (“The Original New Timbral Orchestra”), un sintetizador analógico, polifónico y multitímbrico que hasta la fecha sigue siendo uno de los más grandes del mundo.
Uno de los temas más icónicos de Innervisions es “Higher Ground“, cuya relevancia se intensificó luego del grave accidente automovilístico que Stevie sufrió poco después del lanzamiento del álbum. Su contagioso clavinet tiene un efecto wah-wah, mientras que las intervenciones del Moog como bajo completan un tema imperdible en la discografía de Stevie. El soul/funk de “Living Fort he City” y las percusiones latinas de “Don’t You Worry ’bout a Thing” son otros momentos ejemplares de este disco que, además se llevó el Grammy al Álbum del Año.
Mike Oldfield – Tubular Bells
El 25 de mayo un joven músico de 19 años tomaría al mundo por sorpresa. En un año en donde el rock progresivo estaba alcanzando nuevas alturas con algunas de las bandas que en esta lista incluimos, Oldfield presentó un disco que rompió los esquemas con el que la música instrumental era vista. Por si esto no fuera suficiente, su debut se convirtió en la carta de presentación del recién creado sello Virgin Records, fundado por Richard Branson.
Las primeras versiones de este ambicioso proyecto (el disco solo cuenta con dos canciones, mismas que están seccionadas muy a la usanza del progresivo de entonces) se grabaron en el flat del músico usando el material más básico: una grabadora de casetes. Cuando el muchacho finalmente tuvo la oportunidad de llegar al estudio en donde trabajaría (The Manor) la creatividad se desbordó. Él solo se encargó interpretar toda la variedad de instrumentos: órganos, mandolinas, guitarras, platillos, violonchelos, flautas, pianos, violas, y, por supuesto, las campanas tubulares que dan nombre al álbum.
Aunque “Tubular Bells” no contó con sencillos convencionales, varios fragmentos del disco alcanzaron gran popularidad. El más conocido es, el tema principal, que se convirtió en la icónica banda sonora de la película El Exorcista. Otros momentos memorables del álbum incluyen el majestuoso “Finale” y el emotivo “Sailor’s Hornpipe”.
Mike Oldfield demostró su enorme talento al componer, arreglar y tocar casi todos los instrumentos de Tubular Bells. La producción corrió a cargo del legendario Tom Newman, responsable de capturar la esencia de la música de Oldfield y plasmarla en un sonido prístino y envolvente.
Su portada es una de las más emblemáticas en el rock progresivo. Tiene una esencia surrealista e impactante. La figura metálica central fue diseñada por Trevor Key. La llamaban “campana doblada” y buscaba interpretar un momento icónico: en las sesiones, Mike Oldfield no estaba conforme con los mazos disponibles para golpear las campanas tubulares. Hizo que trajeran un martillo de carpintero y ya imaginarás lo que sucedió (todo sea por La Música).
David Bowie – Aladdin Sane
Después de haber llegado a lo que todos consideraban su cénit creativo en The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars de 1972 ¿Cómo superar eso? Bowie aún era muy joven y no se imaginaba en ese entonces que con el tiempo evolucionaría una y otra vez, superándose a sí mismo en cada momento.
Aladdin Sane sería la respuesta a la encrucijada de Bowie, es el sexto álbum de estudio del artista, lanzado en 1973. Este álbum también presenta a Ziggy Stardust como personaje, aunque con un aspecto diferente.
El LP se caracteriza por su experimentación, si en Ziggy había un sentido de glam más desbordado y lujoso, en Aladdin Sane Bowie está en un modo más oscuro y agresivo moviéndose en una amplia gama de estilos musicales, que incluyen además del glam rock, el hard rock, el jazz y el soul.
Aladdin Sane incluye algunas de las canciones más conocidas de Bowie como la homónima del álbum donde el músico Mike Garson toca un extravagante solo de piano, también tenemos temas como “The Jean Genie”, “Drive-In Saturday” y “Panic in Detroit” que destacan por combinar el glam con el hard rock, de alguna manera Bowie quería en este LP matar a su personaje y eso lo transmitía a través de la música, dándole una estocada al glam y aunque Bowie no consiguiera su propósito de matar al glam, sí se cansó de él.
La portada del álbum, que presenta a Bowie con el rostro pintado de rayas rojas y azules, se ha convertido en una imagen icónica del artista y del glam rock en general. La portada fue hecha en una fiesta en el departamento de Bowie, él y sus invitados se encontraban completamente ebrios y comenzaron a maquillarse, el resultado aunque improvisado es estupendo.
El título del álbum surgió de uno de sus músicos de sesión que describía a Bowie como “A lad insane” (“Un tipo loco”), a Bowie le encantó cuando escuchó la descripción, solamente tuvo que armar el juego de palabras.
Pink Floyd – The Dark Side Of The Moon
El primero de marzo de 1973 sería lanzado el disco de rock más exitoso de la historia en ventas y aquel que consagró a la banda integrada por Roger Waters, David Gilmour, Richard Wright y Nick Mason como la banda más importante no solo de un año tan espectacular en trabajos como 1973, si no en la banda más famosa de la década.
The Dark Side Of The Moon es citado por muchos como la obra cumbre no solo de la banda de Cambridge / Londres, Inglaterra, si no como la cúspide de un género como lo es el rock progresivo, aunque es un disco muy diferente a los clásicos trabajos progresivos, en ves de incluir dos o tres largos temas como la mayoría de sus contemporáneos, la banda, que ya había hecho eso en discos como Atom Heart Mother y Meddle del 70 y 71 respectivamente, optó por temas de menos de diez minutos, con una duración más cercana a la estándar para esa época en una banda de rock.
Fue en la cocina de Waters donde se decidiera la creación de The Dark Side Of The Moon, álbum que explota las inquietudes de los entonces jóvenes miembros de Pink Floyd cómo la muerte, el dinero, el paso del tiempo y sobre todo la locura, lo cual resulta un poco irónico porque estaban por anotar el hit más grande en la historia del rock en ventas y esas obsesiones en cualquier otra banda pasarían a segundo plano.
Una vez establecido como disco concepto y con los estudios Abbey Road a su disposición, la banda se dedicó a buscar sonidos que completarán su idea, esto mezclado con grabaciones de gente de los estudios y amigos que acudían a verlos. La obra abre y cierra con un fuerte latido de corazón, en “Speak To Me”, Pink Floyd nos ofrece una especie de collage de lo que encontraremos en este disco.
Esta obra llena de música concreta (Sonidos cotidianos usados como instrumentos que dan atmósfera al álbum) tuvo dos colaboraciones muy celebradas; la de Dick Parry al saxofón en “Money” y “Us And Them”, si como la de Clare Torry, cantante de sesión que se desgarró la garganta en un canto de mera improvisación que representa la agonía de la muerte en “The Great Gig In The Sky”
La locura es el otro gran tema del álbum, y se encarga de cerrar con dos temas que se ligan, la llena de sonido onírico y coros gospel “Brain Damage” donde el nombre lo dice todo y la concluyente y épica “Eclipse” que crece progresivamente para cerrar de manera contundente un álbum histórico que forma parte de la cultura pop hasta la actualidad. Con el tiempo a The Dark Side Of The Moon se le ha cuestionado que sea un álbum de rock progresivo como tal, sino una mezcla entre el art rock y el progresivo, sea como como sea, es una obra inmortal.
Menciones Honoríficas (Otros discos de 1973)
Como te dijimos hace un momento, 1973 fue una cascada de buena música, hay grandes discos en géneros y locaciones muy diferentes. Para que tengas un mayor panorama de la relevancia de este año, aquí te mencionamos otras joyas:
Led Zeppelin – Houses of the Holy
Roxy Music – For Your Pleasure
Queen – Queen
Black Sabbath – Sabbath Bloody Sabbath
Bob Marley & The Wailers – Catch a Fire
Lynyrd Skynyrd – (Pronounced ‘Lĕh-‘nérd ‘Skin-‘nérd)
The Allman Brothers Band – Brothers and Sisters
Frank Zappa – Over-Nite Sensation
Steely Dan – Countdown to Ecstasy
Yes – Tales from Topographic Oceans
Marvin Gaye – Let’s Get It On
Willie Nelson – Shotgun Willie
Pescado Rabioso – Artaud
Al Green – Call Me
Can – Future Days
Fela Kuti / The Africa ’70 – Gentleman
Willie Colón – Lo Mató
Bruce Springsteen – Greetings from Asbury Park, N.J
Herbie Hancock – Head Hunters
Nuestras otras listas de aniversarios de discos
Para más listados interesantes, te recomendamos nuestras otras listas de discos que cumplen importantes aniversarios:
10 discos de 1973 que cumplen años
10 discos de 1967 que cumplen años
10 discos de 1972 que cumplen años
10 discos de 1982 que cumplen años
