Mis discos favoritos de 2022

En Mis discos favoritos de 2022 nuestro colaborador Davo Valdés te cuenta sobre 16 artistas que atraparon sus oídos en el año que termina. Algunos aparecen en los contenidos de Columna Musical, pero hay muchos más que seguro te sorprenderán.

Te presentamos:

Melody’s Echo Chamber – Unfold

Melody’s Echo Chamber es el proyecto de culto en solitario de dream pop/rock psicodélico de la música francesa Melody Prochet. En 2012 lanzó su álbum debut homónimo producido por Kevin Parker de Tame Impala (que era su pareja sentimental en ese entonces). Para muchos medios especializados fue uno de los mejores debuts musicales de ese año. Este 2022, se cumple una década de ese renombrado lanzamiento y para festejarlo se anunció una reedición de lujo, que llegó acompañada de un álbum perdido con el nombre de Unfold que incluye siete pistas raras e inéditas y que sería una especie de continuación.

“El álbum se completó en un cincuenta por ciento, y luego la relación simplemente no sobrevivió al proceso”, dijo Prochet en un comunicado de prensa. “Y luego traté de trabajar en ello por mi cuenta durante un par de años, hasta que me di cuenta de que realmente me estaba lastimando al hacerlo”. El disco recupera los característicos falsetes de Melody en compañía de su guitarra eléctrica eufónica y sus paisajes oníricos. En sus propias palabras y no puedo estar más de acuerdo suena “como una niña que encuentra una concha de mar especial escondida en la arena pero con la criatura del océano aún viviendo dentro, supongo que es el sonido de la liberación de lo amado”.

Khruangbin – Ali y Texas Moon (EP)

Khruangbin (de quienes te hablamos a detalle aquí) ya había sorprendido al mundo con su primer disco The Universe Smiles Upon You (2015), construido a partir de la música tailandesa de los 60 (de hecho su nombre significa avión en tailandés). Desde entonces, Laura Lee en el bajo, Mark Speer en la guitarra y Donald Ray “DJ” Johnson Jr. en la batería, no han dejado de sorprender con su sonido que entremezcla el soul clásico, el dub y la psicodelia en temas que dan la sensación de extenderse hasta el infinito en un delicioso vaivén hipnotizante.

Este trío originario de Houston, Texas, fueron teloneros de Leon Bridges en su gira en 2019 y a partir de esa convivencia surgió un EP que lanzaron en 2022. El material lleva por título Texas Moon. Es un disco que explora géneros, melodías y atmósferas del paisaje texano en sintonía con el estilo como el neo-soul y el R&B de Bridges. 

Pero también este mismo año editaron Ali, en colaboración con el cantante y guitarrista Vieux Farka Touré. El disco se trata de un homenaje a la leyenda africana Ali Farka Touré, conocido en Occidente vía Ray Cooder. El disco nos envuelve completamente en un halo de nostalgia contestataria, la del África psicodélica.

Jessie Reyez – YESSIE

De padres colombianos, pero nacida en Ontario, Canadá, Jessie Reyez, es una cantante destilada y refinada de pop, despojada de todos los clichés de las cantantes glamurosas, con un estilo desfachatado y auténtico. Como muchos de los discos recopilados en este listado, YESSIE se compuso y se grabó durante la pandemia.

El disco abre con “Mood”, canción que retoma la famosa canción de Los Diablitos, “Los caminos de la vida”, cuyo verso “los caminos de la vida no son como yo pensaba, no son como yo creía” puede ejemplificar a la perfección tanto una decepción amorosa como también la sensación apocalíptica que obligó a todo el mundo a confinarse en sus casas y ver sus mundos colapsados.

El álbum consta de 11 pistas de hip hop y R&B contemporáneo, con una única colaboración de 6lack en la canción “Forever”. Lo más impresionante de este material es su honestidad y ferocidad. La manera en cómo Reyez interpreta y asume su propia lírica y el proceso de sufrir por alguien hasta la aceptación del autocuidado y la superación. “Adiós amor”, el lamento con el que cierra el disco es el mejor ejemplo. Reyez nos dice:

Y aunque el pasado me esté llamando

Mi teléfono está apagao’

Y aunque me duela no estoy llorando

Porque yo ya di demasiao’

Como el olor después de la lluvia

Como el dolor después del amor

Como al sol se le va la luna

Así me despido yo

Mansur Brown – Naqi vol.2 (EP)

Mansur Brown es un artista, productor y multiinstrumentista de Brixton, Londres. Lo primero que destaca de su propuesta es el impresionante dominio de la guitarra que posee. De hecho se le ha comparado en ocasiones con Prince. Después, la amplitud de géneros que puede interpretar que sin duda le ha valido colaboraciones con artistas como Yussef Dayes y sesiones con Little Simz, Alfa-Mist y Kamaal Williams.

Las influencias de Mansur también son igualmente amplias. Su repertorio musical personal incluye a Flying Lotus, Machinedrum y Travis Scott, así como al compositor cinematográfico Hans Zimmer y la banda de metal Deftones. Naqi vol.2 es la segunda parte, de una serie de paisajes de guitarra digitalizada, de hecho, su contraparte en cuanto atmósfera. Se trata de música ambiental y jazz experimental con arreglos minimalistas. Es una propuesta fina y bien interpretada, con una reinvención jazzística que caracteriza a la nueva generación británica, entre las que se incluye el propio Brown, la saxofonista Nubya Garcia, Moses Boyd y  Emma-Jean Thackray.

Aurora – The Gods We Can Touch

El 21 de enero de 2022 se liberó en plataformas musicales el nuevo disco, el tercero de estudio, de la cantante noruega Aurora. The Gods We Can Touch llega al mundo tres años después de su álbum anterior, un EP que se estrenó en dos partes durante 2019: Infections of a Different Kind (Step 1) y A Different Kind of Human (Step 2).

El disco está producido por Magnus Åserud Skylstad, productor y baterista que la ha acompañado en sus giras y presentaciones en vivo, y con el que ha definido un sonido electro pop etéreo y que la aleja de la inocente oscuridad de su álbum debut, All My Demons Greeting Me as a Friend (2016) y cuyo lanzamiento lo colocó en el número uno de las ventas en Noruega.

The Gods We Can Touch es un disco que aborda temas como el deseo, la culpa, la doble moral, las fallas o debilidades humanas, el amor y la relación de la oscuridad con la luz, todo a través del prisma de la mitología griega y algunas referencias y guiños a otras religiones occidentales. Musicalmente está dominado por sonidos como el electropop y el folk pop. Es un disco mucho más alegre y bailable que sus antecesores e incorpora numerosos paisajes sonoros, texturas electrónicas, orquestaciones e incluso algunas reminiscencias a la música latina y el synth-pop.

Benjamin Clementine – And I Have Been

En una entrevista para el New York Times, David Byrne relató su primer encuentro con el cantante y poeta inglés, con ascendencia ghanesa Benjamin Clementine:

“Parece que el autodidactismo de Benjamin Clementine fue su propia forma de preguntarse cómo evolucionar en un mundo que no tiene sentido. El poder de sus canciones y textos lo acerca mucho a la obra de grandes artistas franceses como Léo Ferré, Édith Piaf y Henri Salvador. Su tenor apasionado resuena como si viniera de otro mundo, pero son las preguntas y la personalidad del cantante las que hacen que su talento sea tan único”.

Para explicar su presencia y sonido es necesario citar la influencia de autores como T. S. Eliot y Sylvia Plath, la música de Erik Satie y la potente voz de Nina Simone. Todas las canciones de And I Have Been fueron compuestas, interpretadas, producidas y mezcladas por el propio artista, logrando una elegante combinación de elementos orquestales y electrónicos, que se entrecruzan e intercalan con la solitaria presencia del piano y su inconfundible manera de cantar (definida por su cadencia, su rango y su respiración) y de componer y evocar el dolor y la belleza.

Ampersan – 6 Conejo

Ampersan es una banda mexicana conformada por Zindu Cano y Kevin García, que fusiona música de raíz tradicional y ceremonial con sonidos electrónicos, psicodelia, rock y experimentación varia. También destaca la fuerte carga poética que tienen sus letras. Ya sean composiciones propias o a través de la musicalización directa de poemas.

6 Conejo precisamente consagra esta relación a través de la recolección de extractos de la poesía de importantes autores latinoamericanos como: Luis Palés Matos (“Baquiné”, “El Gallo”), Natalio Hernandez (“Tonati”), Nicolas Guillén (“Dolorosa”), Miguel León Portilla (“Cuando muere una lengua”), Ricardo Yañez y la chamana mazateca María Sabina (“Mujer espíritu”).

Zindú Cano, en una entrevista, explicó esta reciprocidad entre lo sonoro y lo poético: “En un principio la música y la poesía debieron de haber nacido juntas, como en el canto. Y pues creo que la poesía y la música y el canto florecieron juntas, pero con el transcurrir de los años, y como este arte evolucionó hasta volverse una industria, todo eso se alejó y se perdió la carga poética en las canciones y la música. Por eso, uno de los principales motores que nos mueven es ese: volver a la poesía.”

Este disco sirve, desde mi visión, para englobar y descubrir a varios de los personajes más sobresalientes de la escena musical latinoamericana. Dentro de la producción por ejemplo, participan jóvenes promesas como Pedro Canale de Chancha Vía Circuito, Jerónimo González de Last Jerónimo y Sonex, Marcol, Nirl Cano y Juan Pablo Villa, este último, que además encabezó este año, junto a Leika Mochán y María Emilia Martínez, el Coro Acardenchado, un grupo de cantantes surgido como reivindicación al canto cardenche y cuya participación en este material evoca esos sonidos.

Este álbum además, cuenta con la colaboración de diversos músicos como Manu Quintans, Ernesto Cano Lomelí, Rubén Albarran de Café Tacvba y el fabuloso arpista Celso Duarte.

Trueno – Bien o mal

Proveniente del barrio de La Boca, en Buenos Aires, Argentina, este rapero, sin duda es una de las voces líricas más representativas de la actualidad. Saltó a la fama internacional gracias a su sesión freestyle en colaboración con Bizarrap y a partir de ahí se abrió paso como uno de los MC’s más potentes del continente.

Bien o mal está compuesto de tres discos. El tercero abre con uno de los mejores temas que ha dado el hip-hop latinoamericano en los últimos años. Hablo de “Dance Crip”, que como lo hizo “Aserejé” en su momento retoma el ritmo de la famosa estrofa de “Rapper’s Delight” de The Sugarhill Gang, pieza fundacional del hip hop: “En la calle me conocen como el hip-hop/ The hit, the real dance Crip/ La cara de los jóvene’ ‘el país” y cierra con un sample de “Coolo” de Illya Kuryaki and the Valderramas.

Creo que esa pieza engloba su propuesta: una asimilación de la influencia de maestros como Kendrick Lamar, pero traducida, deglutida y asimilada para cantar al contexto latinoamericano y celebrar la diversidad sonora del continente. Las participaciones de Nathy Peluso. Víctor Heredia, un fino sampleo de Atahualpa Yupanqui, la incorporación de géneros como la milonga, y alusiones a Facundo Cabral, son solo algunos de los highlights de Bien o mal.

Bones of Minerva – Embers

Bones of Minerva es una banda madrileña, metalera, conformada exclusivamente por mujeres: Blue Rodríguez (voz y composición de letras), Chloé Gautier (bajo), Nerea Platero (batería) y Ruth Almudena O’Leary (guitarras). Recientemente firmaron con la disquera de Barcelona Aloud Music y Embers, es el primer disco que lanzan con este sello.

De este disco se desprenden canciones como “Fuego” (uno de sus pocos temas en español), “Swamp” (el primer sencillo del álbum), “Madre” (una canción incluida en este disco pero que se pudo escuchar desde 2019), “Merula”, “Claws” y seis canciones más. Se grabó en directo en Madrid por Alex Kappa, el llamado Rey Midas del metal español; y se lanzaron en vinilo de 7” 300 copias y un lado B con una canción que no estará disponible en plataformas digitales.

Embers tiene un sonido pesado y psicodélico que oscila entre lo melódico y lo brutal del metal. Musicalmente remite a una amalgama de bandas de los 70,  progresivas, stoner y sludge, pero también a sonoridades paganas y ritualísticas. De hecho, el mismo nombre de la banda puede advertir la propuesta sonora: los huesos de Minerva, la diosa romana de las artes y la sabiduría, “huesos huecos”, reza el coro gutural de “Fuego”.

En sus mejores momentos remiten a Tool, Mastodon, Queens of the Stone Age y por supuesto, Kittie. El disco navega entre cambios de registro, atmósferas bastante oscuras  y densas, guturales bien ejecutados y suaves y evocativos pasajes líricos.

Dua Saleh – Crossover (EP)

“Mi nombre es Dua Saleh, soy una artista y compositora sudanesa-estadounidense no binaria que vive entre Los Ángeles y Reino Unido”. Así se presenta unx de lxs artistxs más icónicxs e interesantes de la actualidad. Su trabajo va desde la poesía, la música, hasta la actuación, de hecho, tal vez la reconozcan como Cal Bowman de la serie de Netflix Sex Education. Su más reciente EP, Crossover es un proyecto que retoma los sonidos de la afro-diáspora y los sonidos del club queer, trip hop, dance y afrofuturismo.

Este proyecto se creó originalmente en el enclaustramiento provocado por la contingencia sanitaria provocada por el COVID-19 en 2021 y este año se reelanzó  en una versión deluxe con material adicional. Todo el disco no tiene desperdicio, sin embargo, destaco “Fitt”, una colaboración con la cantante Amaarae.  Es una mezcla de afrobeats futuristas, elementos hiperpop y hip-hop. Según la misma Saleh: “Es una canción de club mística que pretende empujar a los oyentes a un paisaje de ensueño de fantasía. Hay elementos de la cultura del salón de baile, magia afrodiaspórica, bailarinas de tubo y más”.

Saleh cautiva por su amplio registro vocal que nutre a través del aumento y la manipulación de dispositivos electrónicos. Su sonido está muy influenciado por el hiperpop de la productora SOPHIE, una artista transfemenina que ha generado, a través del internet todo un fenómeno de pop alternativo.

Hermanos Gutiérrez – El bueno y el malo

Hermanos Gutiérrez es un dúo instrumental suizo-ecuatoriano conformado por los hermanos Alejandro y Esteban Gutiérrez. Su sonido emerge de la música latinoamericana de los 50, así como la estética de los westerns y los paisajes idílicos del continente americano. Su primer disco, Easy Eye Sound, estuvo producido por Dan Auerbach, cantante y guitarrista de The Black Keys (de cuyo disco Dropout Boogie te contamos aquí).

Es imposible no evocar desde el título la influencia del legendario film de Sergio Leone El bueno, el feo y el malo y, sobre todo, la icónica e influyente partitura de Ennio Morricone, que ha marcado para siempre el sonido de los score del género spaghetti western. En este, ya su cuarto trabajo de estudio, repiten el trabajo con Auerbach, quien también participa con sutiles percusiones o con su particular estilo de tocar la viola, en una producción impecable en el que las guitarras son el protagonista y el principal vehículo para evocar una estética particular: una cabalgata, al atardecer, en un llano desértico que se repite al infinito.

FKA Twigs – CAPRISONGS

Regida por el signo zodiacal de Capricornio, esta cantante y bailarina británica, lanzó su tercer material discográfico, tras una extensa campaña en redes sociales, especialmente a través de su cuenta de Instagram, con un delicado bordado de sonidos que van desde las bases de electrónica, pop, hip-hop hasta el avant pop.

Caprisongs es un mixtape que funge como un auto-regalo por sus 34 años de edad o un auto-festejo en el que convocó a sus amigos (The Weeknd, Shygirl, Daniel Caesar y Jorja Smith, por citar sólo algunos) a participar y crear uno de los mejores discos del año. El álbum está compuesto por 17 canciones y cada uno de los temas cuenta con un videoclip, una coreografía, una manera muy particular de ver la moda y el maquillaje, incluso forma de relacionarse con el cuerpo a través de su voz, que es como un suave y sensual embrujo.

Para mí destacan canciones como “Honda”, “Meta Angel” y “Thank You Song” que está compuesta en colaboración con la productora venezolana ARCA. También vale la pena mencionar que el material está producido por El Guincho, Cirkut y el multiinstrumentista y compositor Mike Dean que trabaja con la crema y nata del hip hop actual.

Rigoberta Bandini – La emperatriz

Este disco en realidad se trata de la consagración de tres años de trabajo musical. Sí es su primer material discográfico, pero en realidad es un espacio para reunir varios de los temas que la cantante española estuvo lanzando y promocionado a lo largo de la pandemia y que por las circunstancias obviamente fue realizado a través de plataformas digitales, vídeos y sesiones en vivo. El disco también cuenta con cuatro temas inéditos, que mantienen la irreverente manera de cantar y de componer de Bandini que puede sintetizarse en temas como “Perra”, “Too Many Drugs” o “Julio Iglesias”, esta última plagada de guiños y cameos a referencia del mundo pop y de la llamada alta cultura (para ironizarla).

En una estrofa dice por ejemplo: “Y nos sangraron las encías y al volver/ Si olvido lo divino/ Llamad a Sorrentino/ Me hice trenzas en el pelo/ Y Julio Iglesias en tu coche y yes we can”. De esa manera evoca la manera de mirar del director italiano Paolo Sorrentino para narrar su paso de niña a mujer. Su música es divertida y bailable, furiosa y conmovedora. Casi todos los temas están producidos por Ribó, Esteban Navarro y Estefano Macarrone. “Too Many Drugs” y “La Emperatriz” (canción inédita que da nombre al álbum y que remite a la carta homónima del Tarot) fueron producidas por Santos & Fluren.

Natalia Lafourcade – De todas las flores

Este es su primer álbum completamente inédito de Natalia en siete años. Llega después de una larga travesía de rescate musical de la música tradicional latinoamericana, incluyendo discos instrumentales que encarnan las estaciones del año, un homenaje a Agustín Lara y la recuperación de sones veracruzanos. De todas las flores está producido por Adan Jodorowsky (quien también produjo a Bandalos Chinos y cuyo disco El Big Blue también recomiendo ampliamente).

Para este proyecto reunió a una insólita banda: en la guitarra, Marc Ribot, que ha trabajado con Andrés Calamaro, John Zorn, Tom Waits, entre otros; en el piano, el niño prodigio Emiliano Dorantes; el bajista Sebastian Steinberg (Fiona Apple, Soul Coughing); y el baterista francés Cyril Atef (Illouz Quintet,Touloulou, Yves Robert Trio).

De todas las flores se grabó en dos partes y en dos geografías directamente en cinta. La primera se hizo en Texas en el estudio de Sonic Ranch y la otra parte en Veracruz en el estudio El Acuyo. Todas las canciones escritas por ella, a excepción de “María la curandera” (basado en un poema de María Sabina) y “Canta la arena”, en la que comparte créditos con David Aguilar Dorantes. Este disco, además tuvo un estreno espectacular en el Carnegie Hall en Nueva York, con participaciones de Omara Portuondo, David Byrne y Jorge Drexler.

The Weeknd – Dawn FM

Se trata del quinto disco de estudio del cantante canadiense. Temáticamente y sonoramente se hila con su disco anterior, After Hours (2020). Las letras abordan temas como los excesos, drogas, infidelidad, errores emocionales y fama, pero en este caso desde una mirada en retrospectiva desde un punto muerto o un punto de no retorno.

En una entrevista Tesfaye declaró: “Imagina que el álbum es como si el oyente estuviera muerto. Y están atrapados en este estado de purgatorio, que siempre imaginé que sería como estar atrapado en el tráfico esperando llegar a la luz al final del túnel. Y mientras estás atascado en el tráfico, tienen una estación de radio sonando en el auto, con un locutor de radio guiándote hacia la luz y ayudándote a pasar al otro lado”.

El LP suena efectivamente así: como estar suspendido, atrapado en un tiempo (el tiempo digital) en donde los sonidos de otras épocas confluyen y se mezclan en una estación radiofónica del más allá, que ​evoca el Bad de Michael Jackson, el funk nostálgico de Quincy Jones y la atemporalidad de Daft Punk. Las canciones navegan géneros como el upbeat, el dance  y synth-pop, así como ritmos y sonidos new wave.

El disco cuenta con apariciones especiales de Tyler, the Creator (una de las voces más interesantes e irreverentes del hip hop actual), Lil Wayne (un veterano con una lírica inconfundible)  y la participación de Jim Carrey como narrador/locutor. El álbum fue producido principalmente por The Weeknd y cuenta con la contribución adicional de Max Martin, Oscar Holter y quizá el gran arquitecto detrás del sonido, Oneohtrix Point Never.

Junior H – Contingente y Mi vida en un cigarro 2

De toda la interesante explosión de artistas vinculados al regional mexicano y al corrido tumbado (o corridos trap), destaca sin duda la presencia de Junior H, cantante michoacano que encabeza el sad corrido. Su música siempre etérea recrea -ya sea desde el trap o desde el sierreño banda- la sensación de ligereza que provoca el cannabis o la codaina. Sus letras con una profunda complejidad exploran temas como la violencia, el desamor, el consumo de enervantes y también de cierta manera las ilusiones corruptas de la juventud mexicana, sin recriminaciones, ni lamentaciones.

Se trata sin duda, de uno de los grandes nombres de la productora Rancho Humilde, que también cuenta en sus fichajes a Natanael Cano, Grupo Codiciado, Herencia de Patrones y mi paisano Justin Morales. En 2022 Junior H lanzó dos álbumes, primero, Mi vida en un cigarro 2, que cuenta con apariciones de Eslabón Armado y de Luis R Conriquez y después, Contingente.

Su música combina lo mismo el trap o elementos del hip hop, como el uso de de autotune o el sampleo, con los característicos rasgueos de guitarra del corrido y el uso de acordeón. Mientras que el primer disco se enfoca más en la exploración del corrido tumbado, en el segundo, el cantante muestra un despliegue bastante ecléctico de géneros como el trap y el rap con invitados como Alemán, Snow Tha Product, Big Soto, Ovi y Paloma Mami.

¿Cuáles fueron tus discos favoritos de 2022?

Columna Musical cierra el año con grandes recomendaciones. Los discos de esta lista, así como los que te presentamos en Los Mejores Álbumes de 2022, más que una opinión inamovible, son en realidad invitaciones para que te animes a escuchar estos geniales proyectos. Cada listado es distinto, ¿qué LPs agregarías a nuestras listas?